4

4

samedi 24 août 2013

151-PROGRAMME DE TERMINALE-OPTION DE SPECIALITÉ





I- LE PROGRAMME-ENSEIGNEMENT DE SPÉCIALISÉRIE L (ANNÉE SCOLAIRE 2017-2018) 


LA QUESTION DE L’ANNÉE 

La question de l'année porte sur celle de l'Oeuvre. L’œuvre, résultat d’une sédimentation complexe, sera abordée dans sa genèse, son parcours, sa relation au spectateur. Les élèves devront acquérir des compétences plasticiennes (maîtrise des moyens techniques de leurs projets), théoriques (acquisition d’une analyse critique et argumentée) et culturelles (capacité à situer les œuvres et en comprendre l’impact), selon les quatre entrées suivantes :

- Œuvre, filiation et ruptures : interroger la pratique au regard des critères institués et historiques.

- Chemin de l’œuvre : interroger le processus de création : de l’intuition à la diffusion.

- L’espace du sensible : aborder les relations de perceptions sensibles entre l’œuvre et le spectateur.

- L’œuvre et le monde : aborder le dialogue de l’œuvre avec la diversité des cultures.


LES TROIS QUESTIONS LIMITATIVES ET RENOUVELÉES QUI COMPLÈTENT LE PROGRAMME 
(voir les livres et brochures au C.D.I. et voir la partie baccalauréat 2018 sur ce blog : ICI).

1-AUGUSTE RODIN (1840-1917). En s'appuyant sur des œuvres, des démarches et des processus significatifs de l'œuvre d'Auguste Rodin, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur « l'espace du sensible ». Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».
Imprégné des références esthétiques qui lui sont contemporaines, Auguste Rodin en dépasse régulièrement les normes, questionnant nombre de conventions et de canons de la statuaire. Les grandes commandes dont il bénéficie dans le domaine de la sculpture publique témoignent des liens que l'artiste entretient avec la société dans laquelle il vit : les monuments qui en sont issus, en prenant leurs distances avec une rhétorique propre à l'époque, suscitent controverses et polémiques, mais ils apportent à Rodin le soutien et l'intérêt d'un cercle artistique convaincu.
Par une perpétuelle interrogation de l'univers des signes, Auguste Rodin sert l'idée d'une création toujours en mouvement, jamais interrompue, jamais achevée. Fidèle à la « Nature », le sculpteur perçoit les « vérités intérieures sous les apparences ». Entretenant une relation singulière aux processus artistiques, tirant parti des langages plastiques et des matériaux, il élargit les répertoires formels de la sculpture et renouvelle le travail de l'atelier. Les ruptures plastiques et les gestes artistiques qu'il affirme élaborent un nouvel espace sensible. Ce faisant, il invente une autre économie de l'œuvre sculptée, d'une saisissante modernité.

Une sélection d'œuvres emblématiques d'Auguste Rodin sera opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères ci-après indiqués, sans pour autant devoir s'y limiter :
- les fondements et transformations du rapport de Rodin à la sculpture : références à l'antique, aux cathédrales, à Michel-Ange ; question du mouvement ; problématique du socle ; statut du matériau et matérialité de l'œuvre ; traitement de la lumière ; possibilité du non fini ;
- l'expérimentation au cœur du processus de création : prise en compte du hasard et de l'accident, fragmentation, assemblage, réutilisation, recombinaison, changement d'échelle, répertoire de formes ;
- les temps et lieux de la fabrique de l'œuvre : techniques de la sculpture, organisation matérielle des ateliers, liens avec les assistants, relations avec les modèles, usages du dessin et de la photographie ;
- les grands ensembles sculptés : commande publique, langages et dispositifs plastiques de l'échelle monumentale, conditions de réception, dialogue avec l'environnement et le spectateur. 

2-Collaboration et co-création entre artistes : duos, groupes, collectifs en arts plastiques du début des années 60 à nos jours. L'étude des pratiques artistiques en collaboration et en co-création, des années 1960 à nos jours, à partir de démarches d'artistes significatifs, a pour objectif de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur « le chemin de l'œuvre » (extrait du programme fixé par l'arrêté du 21 juillet 2010, B.O.E.N. spécial n° 9 du 30 septembre 2010), dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».
Une certaine vision de l'artiste en génie solitaire s'est progressivement imposée au XIXe siècle avec la montée en puissance du sujet créateur tendant à laisser en retrait d'autres conceptions de l'artiste, de l'œuvre et de l'art. Pourtant, les pratiques artistiques dites « à plusieurs mains » ne sont pas nouvelles. Historiquement, elles croisent la notion d'atelier et ses évolutions ; elles interrogent la répartition des savoirs et des tâches au service de l'œuvre d'un artiste. Certaines, plus récentes, naissent au sein de regroupements d'artistes désireux de penser et produire ensemble autour de modes de vie et de création choisis, d'engagements esthétiques, sociaux ou politiques... À l'instar de la participation ou de l'interaction avec le spectateur, avec lesquelles elles ne se confondent pas, mais qu'elles peuvent inclure, les collaborations, co-créations et co-conceptions entre artistes conduisent à repenser le processus de création et le statut de l'œuvre comme celui de l'auteur.

Une sélection d'œuvres, de démarches, de mouvements et de pratiques significatifs pourra être opérée par chaque enseignant, afin de travailler les points suivants :
- les évolutions à partir des années 1960 des notions d'œuvre et d'auteur dans le cadre des pratiques en collaboration, en co-création et en co-conception, au sein de duos, de groupes et de collectifs d'artistes : désir de non-hiérarchisation entre les créateurs et parfois entre les arts, gestes et manifestations de « singularité collective » – par exemple au sein de Fluxus –, apparition dans les années 1970 et 1980 de la catégorie du couple d'artistes – duos artistiques et dans certains cas dans la vie... ; 
- les diverses modalités de partage d'objectifs et de ressources entre artistes : centrées sur la conception et la production ponctuelle d'une œuvre présentée à un public, visant à favoriser des associations et des coopérations dans le contexte d'un projet collectif de plus ou moins longue durée, relevant de collaborations qui peuvent articuler les langages et les pratiques des arts plastiques avec ceux du théâtre, de la danse, du cinéma, de la vidéo... ;
- l'émergence de nouvelles pratiques « à plusieurs » liées au numérique (technologies, processus, concepts), à la constitution de collectifs de création numérique (plus ou moins pérennes, pouvant varier au gré des projets) ;
- les contextes particuliers de certaines œuvres collaboratives, tel celui de l'espace public ou, plus largement, celui suscité par les réflexions actuelles sur la mondialisation ;
- plus généralement, les pratiques singulières développées dans le cadre d'œuvres collaboratives ou coopératives : pratiques de la conversation, de la conférence-performance, etc.


3- Le monde est leur atelier : AI WEIWEI (chinois, né en 1957), GABRIEL OROZCO (mexicain, né en 1962), PASCALE-MARTHINE TAYOU (Jean Apollinaire dit, camerounais, né en 1967), trois artistes contemporains extraoccidentaux. En s'appuyant sur des œuvres de ces trois artistes, l'objectif est de soutenir l'investigation de l'entrée de programme portant sur l'œuvre et le monde en focalisant sur « la tension entre la dimension locale et mondiale de l'œuvre, etc. » Il s'agit d'articuler cette approche précise à l'apport d'autres références dans la visée globale du programme qui interroge ce qu'est « faire œuvre ».
Ai Weiwei, Gabriel Orozco et Pascale Marthine Tayou sont trois artistes extraoccidentaux. Circulant dans le monde, ils tirent parti des cultures, des lieux, des matériaux, des contextes, des arts de faire et de leurs possibles paradoxes. Ils en manipulent et confrontent à dessein les dimensions universelles et les stéréotypes, les natures savantes et populaires, les enracinements et les bouleversements. Ce sont les espaces d'élaboration et d'expérimentation de leurs démarches. La diversité caractérise leurs créations : pluralité des codes culturels et des symboles saisis, variété des domaines artistiques associés, multiplicité des techniques et des technologies sollicitées. À l'instar de nombre de leurs contemporains, ils provoquent des mutations dans les processus artistiques, qu'ils enrichissent de l'interculturalité. Ils proposent des hybridations entre des formes d'expression artistique ou des métissages entre des cultures locales et globalisées. Ils utilisent des médiums variés (dessin, peinture, photographie, vidéo, sculpture...) dans différentes situations (expositions, installations, in situ, réalisations monumentales, architecture, utilisation de réseaux sociaux, etc.).

Une sélection d'œuvres emblématiques de ces trois artistes pourra être opérée par chaque enseignant, afin de les mettre en relation en tenant compte de leurs dimensions formelles, techniques, symboliques et sémantiques, à partir des repères indiqués ci-après, sans pour autant devoir s'y limiter :
- exploitation artistique d'un lieu et de ses matériaux (physiques ou culturels) et adaptation d'une démarche de création à l'observation d'un environnement, d'une société ou d'une culture ;
- dépassement dans la pratique artistique des catégories en art et des possibles stéréotypes culturels (attendus folkloriques locaux, partis pris identitaires, ambiguïtés projetées sur le primitivisme, etc.) ;
- rencontre et combinaison, recherche de dialogues et de réciprocités, entre des pratiques artistiques ou des éléments culturels enracinés localement et des notions d'art s'exerçant dans de vastes régions du monde (Afrique, Amériques, Asie, Europe, etc.) ;
- interrogation de modèles ou de canons artistiques hérités de dominations d'États, de sociétés, de valeurs ou de références culturelles sur d'autres ;
- élargissement des conceptions de l'œuvre et de l'artiste pour témoigner du monde dans sa globalisation et pour y agir en exerçant la liberté de création ;
- (...)






II- LES ÉPREUVES DU BACCALAURÉAT

NATURE et DÉROULEMENT DE L’ÉPREUVE ÉCRITE


Durée de l’épreuve : 3 h 30 min. Coefficient : 3

Rappel du cadre réglementaire : (Note de service N° 2012-038 du 6-3-2012). Deux sujets sont proposés au choix du candidat. Chaque sujet présente une œuvre plastique identifiée en rapport avec le programme limitatif publié au Bulletin officiel du ministère de l’éducation nationale, de la jeunesse et de la vie associative. Le candidat doit répondre à trois questions : la première l’engage à mener une analyse plastique de l’œuvre reproduite par le sujet. Les deux autres concernent les questionnements induits par cette même œuvre. Le candidat organise son temps de façon à répondre aux trois questions. Chacune d’elles est évaluée séparément. La maîtrise de la langue française et de l’orthographe est prise en compte sur l’ensemble rédigé.

Critères d’évaluation et notation : Cette partie est notée sur 20 points répartis comme suit : la première question (analyse plastique) est notée sur 8 points ; chacune des deux autres questions est notée sur 6 points. L’usage de tout appareil électronique est strictement interdit.


NATURE et DÉROULEMENT DE L’ÉPREUVE ORALE

Durée de l’épreuve : 30 minutes sans temps de préparation. Coefficient : 3 
d'après le bulletin officiel n°14 du 5 avril 2012 :
http://www.education.gouv.fr/pid285/bulletin_officiel.html?cid_bo=59483 

C’est un dialogue entre le candidat et les membres du jury qui s’appuie exclusivement sur le dossier (travaux notés sur 12 points et entretien sur 8 points). Le dossier comprend une fiche pédagogique (professeur), la liste des travaux, les travaux et le carnet de travail du candidat.

- Le carnet de travail du candidat est un objet personnel qui témoigne de ses recherches, abouties ou non. Il vient en complément ou en appui de ses travaux et en favorise l'évaluation. Il doit seulement permettre au jury d'établir un dialogue plus fécond avec le candidat, permettre une meilleure compréhension de ses démarches et d'apprécier ses capacités de travail et de recherche. Sa forme matérielle est libre dans les limites d'un format qui ne peut excéder 45 x 60 cm et 5 cm d'épaisseur.

- La fiche pédagogique précise que les travaux sont liés à l'enseignement de spécialité de terminale. Elle est établie par le professeur et signée par le chef d'établissement.
Le jury vérifiera par cet oral les compétences et les connaissances liées à la pratique et à la culture plastiques que saura mettre en évidence le candidat. Il s'agit d'évaluer les capacités plastiques du candidat quant à sa maîtrise de formes et de techniques de réalisation mais aussi celles quant à ses compétences de formalisation et d’explicitation de choix artistiques, de parti pris singulier et qualités d'invention.


FORMAT ET PRÉSENTATION DU DOSSIER DE TRAVAUX

Nombre : 5 travaux minimum, 10 au maximum

Présenté dans un carton à dessin n'excédant pas le format demi grand aigle (à titre indicatif 75 x 52 cm) et 5 cm d'épaisseur, le dossier est accompagné de la liste des travaux et d'une fiche pédagogique, établie et visée par le professeur, signée par le chef d'établissement. Chacune des productions porte au dos, le nom du candidat, le rappel « option de spécialité » le cachet de l'établissement authentifié par la signature du responsable de la préparation.

Répartition des travaux : Le dossier comprend des productions plastiques réalisées au cours de l'année de Terminale en relation directe avec les questions du programme de l’année. Ils témoignent de l'usage de médiums et techniques variés. Trois travaux au moins sont présentés comme des productions plastiques considérées comme abouties par le candidat et sont obligatoirement bidimensionnels et sur support physique. 

Concernant tous les travaux en volume, ainsi que les travaux bidimensionnels de très grand format ou ceux impliquant la durée ou le mouvement, ils sont restitués et visualisés par les moyens de la photographie, de la vidéo ou de l'infographie. Ils sont réunis dans un dossier numérique. Les productions spécifiquement informatiques sont également incluses dans ce même dossier numérique. Le visionnement n'excède pas cinq minutes. Le candidat est responsable du bon fonctionnement du matériel informatique requis. 

Des restitutions papier sont prévues et seront présentées en cas d'une éventuelle panne technique du dispositif numérique. Dans un souci de clarté, les feuilles numérotées et signées correspondront aux numéros de la liste des travaux.
Des photographies peuvent très bien rendre compte des hauts reliefs et panneaux multiples. Ce respect de format indispensable au bon déroulement et à l’équité, permet de mieux gérer le transport des cartons, le passage des épreuves et le stockage des dossiers dans les centres pour les jurys. L’authentification par signatures et cachet de l’établissement est un point important et un moment incontournable permettant d’évacuer toute fraude.

Les candidats individuels n’ont pas à fournir de fiche pédagogique pour présenter cette épreuve. Ils n’ont pas à renvoyer de fiche sur le courriel de l’inspection pédagogique (cette étape est réservée aux professeurs).

Vous pourrez retrouver des conseils pratiques sur le site des Arts plastiques de l'Académie de Nice, de même que sur le site des autres académies.